La profesora de Historia. Les héritiers, los herederos.

La directora francesa Marie-Castille Mention-Schaar nos propone una película ambientada en las aulas con alumnado de Segundo de Bachillerato, con 17 o 18 años. Se basa en una historia real ocurrida en un instituto de la periferia parisina donde conviven numerosas comunidades, religiones, procedentes de un estrato social bajo. La problemática de la clase es evidente pero la profesora, representada por Ariane Ascaride, confiará en el potencial y desplegará un trabajo muy voluntarioso para participar en un proyecto educativo sobre memoria histórica. El tema: niños y adolescentes en los campos de concentración. No se trata de la enésima película sobre la Shoah, el tratamiento es distinto. El tema es mas bien el argumento que permite que jóvenes franceses y francesas de 17 años tomen conciencia de su propia valía y de los valores que les pueden ayudar en su vida.

Tal vez resulte difícil creer algunas situaciones, sin embargo, el tratamiento del ambiente de aula, el día a día de su problemática no son ajenos a la realidad y eso es un punto importante para que valoremos el esfuerzo de la película por querer tratar el tema y a la vez transmitir optimismo, esperanza y bondad.

Desde el punto de vista del género, se agradece que tengamos a una profesora. Un análisis reciente sobre películas de docentes  hablaba de que más del 80 por ciento de este subgénero, tenían como protagonista a un maestro y no a una maestra. Si no, acordémonos de La ola, Profesor Lazhar, La clase, Ser o tener, Curso 1984, El gran debate, Rebelión en las aulas, El club de los poetas muertos, El profesor Holland, Los chicos del coro, La lengua de las mariposas, Vivir es fácil con los ojos cerrados, El profesor con Adrien Brody o la magnífica Estrellas en la tierra, salvo honrosas excepciones como Mentes peligrosas o Katmandú por ejemplo, dirigida por Icíar Bollaín. En este caso también tenemos tras la cámara a una directora, no es casualidad. El elenco del alumnado es bastante coral y aparece una problemática en la que están representados ambos sexos. Sin embargo temas que afectan a las mujeres adquieren relevancia como el tema del velo o del atuendo en los centros docentes públicos, caracterizados por el laicismo o el tema del acoso por los compañeros varones a las jóvenes de origen musulmán que deciden vestir con una estética fuera de las normas más conservadoras. Incluso visibiliza a mujeres en la historia como Simone Veil que además de ser una sobreviviente de los campos ha sido un referente en la lucha por la igualdad de las mujeres. Podemos valorar incluso que la caracterización de la profesora se decante por lo académico y no se añada ninguna “pulsión sexual” gratuita, como ocurre en otras películas de profesoras.

El tema del amor entre jóvenes de religiones distintas también aparece, con lo cual aunque podemos hablar de una imagen “bondadosa” de la realidad bien es cierto que toca realidades adolescentes variadas y el resultado es digno de verse y de recomendar para visionarse en institutos. El punto de mostrar a un deportado de los campos, Léon Zyguel, añade un elemento realista que enriquece de contenido en un momento en que flojea y redirige la película por contenidos de memoria histórica más creíble aunque en algún momento parezca que nos están vendiendo el currículo francés sobre el tema.

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Los paraguas de Cherburgo. En”cantadora”.

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Toda la película cantada, amor romántico, años 50 en Francia todos estos ingredientes no sirven para dejar de verla. 51 años después de su estreno todavía vemos actualidad en ella. El uso del color tal vez sea lo que más encanta. La decoración de las paredes recuerdan la pintura de los fauvistas, especialmente de Matisse y le da una atmósfera elegante a pesar de estar centrada en las desgracias que acontecen a una madre viuda que no puede mantenerse con su negocio de paraguas. Su hija quedará prendada de otro joven sin recursos y al cuidado de una tía enferma, que además debe ir a la guerra de Argelia. En esa atmósfera de penurias económicas surgen imágenes plásticas muy potentes del director Jacques Demy. Unir color simbólico con acción y con música es todo un reto. La influencia De lo espiritual en el arte de kandinsky está presente en la elección del color. Las escenas están perfectamente montadas con un análisis de color y música muy exquisitos, además de muchas referencias a la historia del arte.

Otro de los puntos destacados es ver retratada la Francia desde el año 57 al 62, teniendo como fondo la guerra de Argelia de la que se dice poco pero se percibe cómo condiciona la vida de los jóvenes. En cierta manera es antibelicista en el sentido de que es la culpable de la separación de dos enamorados y la causante directa de la infelicidad tanto a la tía del muchacho como a su amada. Ver la ciudad de Cherburgo, donde se palpa la pobreza material combinada con la sofisticación de los decorados y la elegancia de las protagonistas (destaca una jovencísima Catherine Deneuve) es todo un regalo para los sentidos.

El director fue esposo de la directora Agnes Varda. Sería interesante conocer la contribución de esta gran cineasta a la película.

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Heredarás la tierra. Relaciones entre hermanas.

Tres hermanas heredan en vida del padre una hacienda agrícola. Las rivalidades por la gestión de la misma surgirá pronto a la vez que asoma la problemática de fondo: la sumisión a un padre acosador y violador. Una realidad muy dura que pone delante otras como la insatisfacción de la vida de todas las hermanas y la dificultad para encontrar un camino de libertad. Llegarán a romper con hacienda, maridos y familia una opción poco reflejada en el cine. Surgirán lazos de sororidad a pesar de la distancia.

Michelle Pfeiffer y Jessica Lange forman parte del reparto a una buena altura sin embargo la película no adapta con justicia la novela de Jane Smiley que alcanzó el Pulitzer. La película se queda en el melodrama sin aprovechar la faceta reivindicativa que tiene el libro. Una apuesta desaprovechada.

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Her. Muy superficial.

¿Las inteligencias artificiales pueden llegar a colmar las necesidades emocionales de las personas? El tema puede resultar interesante según cómo se trate. En este caso el director Spike Jonze se acerca a través del enamoramiento entre un hombre adulto y un ordenador con voz de Scarlett Johansson. Nadie piense que la va a ver en pantalla, en los créditos debería aparecer como voz porque no pone nada más. Vamos que no cuenta para el cine. La presencia femenina es escasísima, al ordenador por supuesto no lo cuento, y no sé ni si pasaría el test de Bechdel. Sí que hay al menos dos personajes femeninos pero no sé si comparten escena y hablan entre sí de algo que no trate de hombres.

Una historia de amor convencional, pero que chirría por todos los lados cuando sólo oímos a la máquina y Joaquin Phoenix le contesta como si fuera normal. Roza el ridículo en todo momento.  Por ejemplo, cuando el protagonista le cuestiona si está conociendo a otros a la vez que a él y la máquina le contesta que a más de 500. No sabes si reír o decir “aquí hay algo que se me escapa”. Es una película que ha sido nominada y galardonada en numerosos festivales, tiene unas críticas excepcionales sin embargo el tratamiento del tema resulta muy superficial.

Si pretende ser futurista, la estética no cuadra y si pretende ser filosófica, defrauda. Que alguien me explique cómo ha conseguido emocionarle y no aburrirle.

Otras historias de replicantes de calidad Eva o Blade Runner. De relaciones amorosas a distancia a través de las nuevas tecnologías, la película catalana, 10000 km.

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Felices 140. Gracia Querejeta en estado de “gracia”.

Turbadora película que nos presenta las reacciones de una serie de amigos y familia ante un hecho puntual que cambia las actitudes amigables por otras mezquinas y falsas. Un reflejo del alma humana ante el poder del dinero en nuestra sociedad capitalista. Los diálogos se nos hacen muy reales contribuye a ello el elenco actoral que está al más alto nivel. Maribel Verdú, Marián Álvarez, Eduard Fernandez, Nora Navas, sencillamente geniales en los primeros planos. El humor negro no cede a la intensidad del drama que se cuece en la casa tras un hecho desgraciado. Todos los personajes irán mostrando su bajeza moral conforme pasa el tiempo y se concreta su plan. En algunos momentos parece que estemos ante una obra de teatro pero el movimiento de cámara hacia los primeros planos y las imágenes maravillosas de Tenerife nos hará disfrutar del cine en estado puro.

La frescura del encuentro de amigos y familia de la primera parte nos hace pensar que estamos ante una película de reencuentros, cambia drásticamente y nos conduce a un suspense inquietante. Aviso que no es nada esperanzadora y que tiñe de negro cualquier corazón pero no hay que dudar que hace un análisis crudo del alma humana con la sombra de la crisis económica de fondo.

De agradecer, la presencia de un personaje adolescente con muchos matices que tan pocas veces disfrutamos en el cine.

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Rastros de sándalo. Equipo femenino al completo.

En esta película la directora catalana María Ripoll, rueda en India con un equipo técnico exclusivamente de mujeres, con un guión y producción femenina y con protagonistas mujeres. Una apuesta fuerte por la innovación en un país donde todos estos elementos son por así decirlo, poco habituales. El tema de la identidad personal, la multiculturalidad, la pena, la pérdida de un ser querido se toca en un escenario como India y en Barcelona. El cine de Bolliwood se introduce de un modo muy natural sin resultar un añadido ni una yuxtaposición.

No se basa exactamente en el tema de los niños robados, se trata mas bien de la búsqueda de la identidad de una joven adoptada en India y cuyos padres no le han confesado la verdad. Veremos a una Aina Clotet, triste, encorsetada, huidiza, antipática al principio pero que evoluciona cuando deja permeabilidad a sus sentimientos y a los que otras personas le dedican.

El resultado es una película muy agradable de ver, no cae en el melodrama romántico aunque tal vez le haga falta una pizca de realidad más intensa. Una experiencia interesante y que deja un camino abierto de apertura hacia producciones con otras cinematografías que proponen música, baile, junto a historias de identidad personal. Seguiremos la pista.

Anna Soler-Pont, guionista y productora explica su apuesta porque el equipo fuera eminentemente femenino.

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Pride. Orgullo. Para disfrutarla.

Una historia real de los años duros de Margaret Thatcher cuando un grupo de activistas de gays y lesbianas se solidarizan con los mineros galeses en huelga durante un año. En el año 84, lo que tenían ambas comunidades en común era la represión de policía y estado. Vemos cómo se van hilvanando complicidades entre ambos grupos, siempre en un tono amable que no ofende a nadie y también muy humano porque se tocan temas que a todo el mundo emocionan sin sentimentalismo gratuito. Se percibe una sociedad galesa muy machista, poco abierta con la diferencia de orientación sexual sin embargo serán las mujeres de esa comunidad las que empiecen a romper esquemas. Bien es cierto que también será una mujer la enemiga más recalcitrante de la apertura y también que el papel de las lesbianas feministas queda un tanto caricaturizado. Tal vez esté bien reflejado el papel de las mujeres y de las lesbianas en los ochenta que incluso era la marginalidad del propio movimiento gay. El mérito de la película es que se basa en hechos históricos y los personajes todavía viven y lo han contado. Sirva para que seamos optimistas en el recorrido que pueden tener la movilización y el activismo para que la sociedad evolucione y respete a todas las comunidades que alberga.

La ambientación, ropa, música, espacios es estupenda y nos lleva a un tiempo de menores libertades y justicia social pero también una época de solidaridad y empatía. Te puedes ver reflejado en muchos de los personajes y eso enriquece la película. El guión es muy ágil y la acción transcurre ligera sin aburrirte en ningún momento .

Una película para recomendar absolutamente al todo el mundo por su amabilidad.

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