La directora norteamericana, su Friedrich, realiza en 1996 uno de los documentales pioneros en cuanto a aportar la mirada lesbiana en el cine. Además, cinematográficamente, lo elabora con una maestría inusual que contribuye a que sea una pieza difícil de olvidar y a la que haya que acudir cada vez que queramos contar historias. Su Friedrich es capaz de hilvanar tres líneas narrativas a la vez. La de unas niñas de 10 a 12 años de los años sesenta, que empiezan a vislumbrar y querer entender el mundo adulto. Por otro lado, testimonios documentales de mujeres adultas lesbianas que fueron adolescentes en los años sesenta y cuentan cómo fue su despertar a la vida adulta. Y en tercer lugar, imágenes de los sesenta que ponen verismo a la primera historia de ficción. Es una maravilla y una delicia al mismo tiempo cómo se van tejiendo las voces de todas las líneas narrativas y todas tienen interés en sí mismas y a la vez contribuyen a crear un mismo documental.
Su Friedrich en el Festival Punto de Vista 11-18 de marzo de 2024 presentando el documental Hide and Seek.
Realmente es una película única, estalla la cabeza la primera vez que la ves porque es una maravilla que Su Friedrich en 1996 tuviera esa intuición y esa fortaleza que solo la tienen pocas personas para adelantarse a su tiempo y crear una obra única, sin referentes anteriores. A la vez, es una obra profundamente respetuosa y honesta con las voces de las niñas así como con las mujeres adultas. Hay que verla, no se puede dejar pasar. Forma parte de la Historia del feminismo y del movimiento lésbico y un referente que hoy resuena como un grito de libertad y de que los sueños de las adolescentes de los 60 han tenido un relato cinematográfico que va a perdurar como una diamante al que habrá que volver muchas veces.
Su Friedrich presentando el documental Hide and Seek en el Festival Punto de Vista del 11 al 18 de marzo de 2024
La directora Laura García Andreu y el director Arunas Matelis se han acercado a Domingo, un agricultor valenciano. A través de documentar su sueño de patentar una clase de mandarina descubierta por él, nos adentran en los cambios en la agricultura y en las industria agroalimentaria en las últimas décadas.
En la actualidad las multinacionales del sector, patentan sus variedades y condicionan el mercado de tal modo que quienes se dedican a la agricultura tienen que comprarlas para poder ser competitivos en la industria. Un monopolio que puede tener alguna rendija si se descubriera una variedad que tuviera éxito comercial.
Veremos si el genio agricultor puede con todos los recursos que despliega esa industria y si puede «infiltrase» en los mercados globales. Una idea un tanto quijotesca, muy entrañable con un personaje al que se coge cariño pronto por su humanidad. Nos muestran una realidad cercana en un mundo global que deja pocos espacios para poder ganarse la vida en sectores en que nuestros padres y abuelos lo hicieron y muestra, con humor y ternura una realidad con pocos alicientes.
El documental de Amaya Villar Navascués forma parte ya de esas películas imperdibles porque ayudan muy bien a comprender un cambio de época.
La directora ha aprovechado su archivo fílmico desde los 18 años hasta los 38 y ha contado con sus propias imágenes, las de algunos amigos o las que ha grabado para la ocasión su propia historia. Digamos que es como una carta fílmica donde va mostrando de dónde viene a nivel afectivo y hacia dónde se dirige a nivel profesional pero también a nivel personal. Para ello se centra en sus relaciones amorosas y cómo fue su implicación en las mismas a la vez que se labraba una carrera profesional viajando a diferentes lugares bien para especializarse o para llevar a cabo su trabajo.
Destaca por encima de todo la capacidad para el montaje. De hecho, su profesión es la de montadora. Queda clara su valía y la maestría para elegir el fotograma adecuado en la narrativa que quiere desarrollar.
Por otro lado, es muy divertida a la vez de emocional y puede ser una mirada a una generación que no lo ha tenido tan bien a nivel profesional como prometía. Las nuevas relaciones de pareja emergen y desde la honestidad es capaz de contar su propia realidad.
Este formato de seguir la propia biografía de relaciones amorosas, lo hizo también, Itsaso Arana en su documental John y Gena, en el que también, con una mirada cinematográfica distinta, bucea en ella misma a partir de los testimonios de sus ex parejas. Mucho que agradecer a ambas por los ratos tan buenos y novedosos que nos han regalado.
Fue nominada a mejor documental a los Goya en 2024, nos queda seguirla como montadora y también a esperar su segunda película.
Yuri es un chico adolescente que vive en un edificio decadente de los suburbios de París. Lo inauguró el astronautoa Gagarin y fue un símbolo de bienestar para la clase obrera parisina pero con las sucesivas crisis económicas, el trabajo ha escaseado y la delincuencia ha hecho acto de presencia.
La película, con un universo de fantasía que conecta muy bien con la astronomía, no se olvida de la conexión del sistema solar y de las personas en red, en barrio. A pesar de tener que abandonar el espacio que habitan seguirán conectadas por los valores sociales y culturales que crearon durante la convivencia. En este sentido, mira esperanzada al valor de lo común pero también al respeto por quien es diferente así como a la actitud de persistir en los sueños para que se materialicen.
Puede ser una película muy interesante para visionar en institutos de secundaria para trabajar contenidos relacionados con los valores y con aceptación de las diferencias.
Gagarine consigue posicionarse dentro del selecto grupo de películas con aspiraciones sociales que proyectan que un mundo mejor es posible y lo hacen con medios cinematográficos novedosos para contar historias de fuerte base social.
Catherine Corsini, directora de una de las mejores películas de 2016 para Cineparatodas, La belle saison, traducida en español como Un amor de verano, logra llegar con toda la carga social de denuncia de la actualidad.Si en Un amor de verano eran las luchas estudiantiles y feministas de los 70, ahora se fija en la lucha de los chalecos amarillos por una dignidad en el trabajo. Se percibe cómo quiere narrar las reivindicaciones de los y las trabajadores/as por la pauperización y empobrecimiento que viven, así como la desregulación del mercado laboral y la decadencia del estado del bienestar con las voces de otra parte de la ciudadanía que considera que hay «infiltraciones» de la ultraderecha en sus filas. Todo ello, en una Francia multicultural donde los servicios públicos sufren la misma embestida precarizadora.
Valeria Bruni Tedeschi como protagonista indiscutible que pasa de la comedia al drama y consigue muchos registros en un papel que no se suele ver en el cine: las parejas de lesbianas en la cincuentena que aprovecharon las libertadas conquistadas en los 70 para haber podido llevar una vida libre para ellas y sus hijos/as. Valeria Bruni, una vez más es capaz de dar vida a una mujer en una situación delicada porque está en las urgencias de un hospital público y a la vez porque está atravesando horas bajas en su relación de pareja con Julie (Marina Foïs) que también está soberbia.
El tema social se capta en profundidad en la figura de un camionero (Pio Marmai), símbolo de esa precarización laboral que vive Francia en concreto y Europa en general. También en la figura de la enfermera Aissatou Dialo-Sagna que como muchas otras, sostiene la sanidad pública. La mirada de Corsine es una sanidad con mucha presión asistencial en urgencias lo que denota también una presión en la asistencia primaria. Una tendencia que no es ajena a otros escenarios del sur de Europa. Relata un momento concreto muy tenso pero subyacen problemas estructurales bien conocidos. Lo destacable de Corsini es que ha querido contarlo desde la honestidad y eso ha cuajado.
No podía ser mejor noticia que los documentalistas ganadores del Goya por El silencio de otros, Almudena Carracedo y Robert Bahar eligieran el tema de la violación por cinco jóvenes sevillanos de una joven madrileña en sanfermines de 2016. Pone en el centro el cambio del tratamiento de la violencia sexual en España. Va narrando los sucesos desde la noche del 6 al 7 de julio y dando voz a la policía que primero asistió a la joven, a la policía que revisó y rastreó las imágenes de vídeo de la ciudad, a alguno de los policías que hizo seguimiento de la búsqueda in situ de los violadores, a los servicios de urgencia, a la asistenta social que arropó a la víctima y contactó con la familia, a la fiscal de la audiencia, al policía que siguió la investigación y consiguió localizar a una segunda víctima, al abogado del ayuntamiento, al alcalde en aquellos momentos, a la joven que leyó el manifiesto en la plaza del ayuntamiento en la concentración en nombre del movimiento feminista de Pamplona, a la joven que convocó la concentración en Madrid. Muchas voces acompañadas de documentos grabados tanto mediáticos como de los propios procesos judiciales o policiales.
El valor de los testimonios pone de manifiesto que había una conciencia social que no iba a permitir la impunidad de hechos como el asesinato de Nagore Lafagge en los sanfermines de 2008 a manos de Diego Yllanes que fue considerado homicidio por un jurado popular. La movilización social que generó esa sentencia y la fuerza de la madre, Asun Casasola, que también aparece en el documental han sido semillas que han germinado en generaciones recientes que se expresan con el #cuéntalo o el #se acabó iniciado por la periodista Cristina Fallarás. El documental de Elena Taberna, Nagore, contextualiza todo este movimiento de mujeres y social que dice basta a la violencia y el terror sexual y se rebela frente al silencio impuesto por el poder. Es revelador que haya mujeres en la dirección de ambos documentales y que la utilización de las redes sociales sean también una herramienta de denuncia, visibilización y altavoz frente a los instrumentos que han utilizado los poderes tradicionales.
Muy interesante cómo se han centrado en el engranaje policial y de la justicia, de este modo, se remarca la importancia que tienen estos poderes y cada cual puede valorar el papel que tuvo cada uno en el caso. También cabe destacar la humanización de las víctimas. Su voz la escuchamos desde las actrices Natalia de Molina y Carolina Yuste aportando un punto de humanidad que facilita ponerse en el lugar de ellas.
El cambio con la Ley solo sí es sí ha permitido conceptualizar como agresión si no hubo consentimiento por parte de la víctima. Se traslada al agresor la obligación de probar que la relación fue consentida, la víctima ya no ha de probar que no lo fue. Ya no es necesario violencia o intimidación para considerarlo violación y no abuso. Se establece un único delito, agresión sexual con independencia de si medió violencia o intimidación.
Carracedo y Bahar se han centrado también en este documental en el tema de la justicia y la reparación para las víctimas a partir de la toma de la palabra y de documentar cómo se posicionan las instituciones y las personas que deben acompañar a las víctimas.
Una película referencial para visionar en institutos y otros centros de enseñanza para generar debates que propicien espacios de paz para hombres y mujeres.
La directora chilena Maite Alberdi realiza un documental donde enfoca a una pareja. Ella, Paulina Urrutia nacida en 1969 fue ministra de Cultura con Bachellet y es actriz. Él, Augusto Góngora, nacido en 1952 fue periodista. Retratra el día a día de ambos, él ya con Althéimer. Transmite el amor que se profesan además de ver los cuidados que Urrutia le ofrece con todo el cariño del mundo.
Maite Alberdi consigue hacer un retrato de la pareja con mucha dignidad y verdad y puede ser un legado para siguientes personas que tengan que vérselas con esta enfermedad que causa el olvido de lo que son y de lo que fueron, un borrado en vida. Sin embargo, la complicidad entre ambos, basada en el cariño y el amor, se reconoce a lo largo del tiempo en que la enfermedad va haciendo estragos. Pareciera que esas emociones permanecen indelebles en el cerebro y son la últimas en borrarse.
También reflexiona sobre la importancia de la memoria histórica y el valor de la ciudadanía política algo que no se puede hacer desaparecer.
Esta es la tercera película de Maite Alberdi. En La Once, se manifiesta con una gran sensibilidad al captar las dinámicas sociales de un grupo de personas mayores y en El agente topo, también se centra en una historia con personas mayores con un sentido del humor muy especial. Realiza un cine muy actual e interesante. Veremos si quiere investigar en otros géneros y propuestas porque con el ojo cinematográfico que ha demostrado pueden llegar sorpresas muy interesantes.
Justine Triet a conseguido crear una historia donde la duda sobrevuela de principio a fin. Ante la muerte del esposo de Sandra se cierne la duda sobre ella a partir de algunas pruebas rescatadas de grabaciones del día a día de la pareja y de testimonios cercanos. Llega el juicio y vemos cómo funciona el sistema judicial, cuál es la verdad para la justicia, para el fiscal para la defensa. Se cuestiona el concepto de verdad a lo largo de todo el metraje, cuesta posicionarse a partir de un guión muy cuidado que se mueve sutilmente en la ambigüedad. La película se apoya en las palabras, en los diálogos en las frases que dan muchas pistas sobre el universo familiar que habitan Sandra, Samuel, el hijo de ambos Daniel y el perro que le guía como niño invidente que es. Con los documentos sonoros y los relatos de testigos se va construyendo una visión de esa realidad con muchos puntos de vista. ¿Cómo puede la justicia posicionarse ante datos parciales de una vida? ¿Dónde están los detalles de humanidad que arrojan luces sobre si una persona habita las luces o las sombras de la misma? ¿Cuáles son los estereotipos que hacen crear sospechas? ¿Cuál es el papel de las redes sociales en la creación de la culpabilidad? ¿Cómo afecta a la infancia el hecho de verse sumergido en situaciones emocionalmente extremas? ¿Cómo es el sistema judicial francés? ¿Cómo acompaña al niño protagonista? ¿Cuán importante es una buena defensa?
Son muchos los temas que abre en cada frase, en cada palabra con un lenguaje cinematográfico muy rico. Ahora bien, quien sostiene la película es la protagonista Sandra Huller, una de las mejores actrices europeas del momento. No hace falta mas que recordar su papel protagonista en Toni Erdmann para descubrir su valía actoral. En Anatomía de una caída Sandra Huller dota de una ambigüedad al personaje basada en la fuerza interior del mismo. Sandra vive la tensión en el juicio, con su hijo, con su abogado y la vemos en su relación de pareja e incluso en el feeling con el perro y apunta a un personaje complejo que se apoya en los múltiples puntos de vista que tiene una relación de pareja y en la complejidad de las relaciones humanas y el equilibrio en las mismas.
También es un descubrimiento el personaje del hijo, el joven actor, Milo Machado, será imprescindible para entender la historia y alguna de sus intervenciones demuestran mucho carisma para la corta edad.
A todo esto se podrían añadir muchas más reflexiones sobre cualquier diálogo y esto pone de manifiesto que estamos ante una obra muy rica en matices y muy recomendable para disfrutar en pantalla grande con unos escenarios nevados en los Alpes de ensueño y unas carreteras de altura que aumentan la tensión se asciendan o desciendan. Muy original e intensa. A esperar la siguiente de Justine Triet.
Silvia Munt se compromete con uno de los movimientos más interesantes y destacados de la transición: el feminista. El tema de la maternidad o mejor dicho del aborto estuvo en el centro de las preocupaciones de las mujeres y de las activistas en el tardofranquismo y en la transición. Sin embargo, el relato del activismo en esos años ha pasado de lado por uno de los temas cuyas protagonistas radicalmente consiguieron cambiar el horizonte que tenían las mujeres en la cuestión de la maternidad. En la actualidad se pone en valor, se conoce, entrevista y documenta la labor de esas mujeres aguerridas que tanto hicieron por el futuro de las mujeres que vinieron después.
Además de la cuestión de las maternidades se trata también el tema de la libertad sexual. En los 70 el lesbianismo político circulaba en muchos grupos con una fuerza poderosa. En esta película también aparece como una opción sexual que permite un compromiso político interesante para las mujeres activistas. Muchas de estas mujeres están a día de hoy entre los 60, los 70 y 80 años y han podido contar su periplo vital. Se las puede escuchar en jornadas, mesas redondas, congresos de Historia, Feminismo, Filosofía, Memoria Histórica pero no existe ficción para un momento histórico tan potente. Debería ser un género cinematográfico en sí mismo con la cantidad de cambios que generó y la de mujeres que se vieron implicadas en las redes de apoyo a la contracepción, en el movimiento en apoyo del aborto, en los apoyos a las mujeres que se fueron a abortar al exterior etc. Miren Egaña, Begoña Zabala, Zelaida Biurrun, Asun Urbieta son algunas de esas mujeres valientes que desafiaron a una sociedad patriarcal donde incluso sus compañeros de movimientos político sociales ignoraban en ocasiones sus luchas.
Este año hemos podido disfrutar de O Corno, ambientada en 1971, también con una capa fuerte de sororidad cuando otras capas de apoyo no están presentes ni se las espera han sido las mujeres solas las que han tenido que lidiar con la concepción y la contracepción, el mismo control del cuerpo de las mujeres por el sistema patriarcal que vemos en la película de Silvia Munt y un tratamiento diferente. Ahí está la riqueza, la temática está por contar, nadie lo ha hecho en profundidad y existe un buen número de directoras preparadas para ficcionar esta realidad tan rica y para parte de la sociedad desconocida. Una necesidad y una oportunidad al mismo tiempo.
En cualquier caso, Las buenas compañías está bien lograda en su empeño, se reconoce la sociedad vasca, se puede ver en ellas por ejemplo a las jóvenes de Rentería o de cualquier otra localidad y nos cuenta una historia vital muy necesaria. Muy recomendable por haber sabido acercarse a la fuerza del grupo y por contar la historia concreta de una joven. Así que a ver quién se anima a explorar este filón narrativo mientras las protagonistas siguen deseando narrar lo que les pasaba.
Cineparatodas 