ILSE FUSKOVA. Feminista y lesbiana autoafirmada desde los 80

Este documental de Liliana Furió y Lucas Santa Ana supone otro brote de memoria de los años 80 y 90. Una de las temáticas políticas de las que es difícil contar con documentales, con imagen, vídeo, formato de entrevista, de mesa redonda, imágenes de álbum personal, colectivo. Es decir, con un material rico y variado que tienen como protagonista a la lideresa argentina, activista feminista y lesbiana Ilse Fuskova. Uno de los elementos más interesantes ha sido captar la fortaleza y determinación de esta mujer dotada de unas convicciones políticas profundas y con un nivel de compromiso muy alto. También captar el círculo de activistas que la rodeaban y donde se retroalimentaban, la apertura a los EEUU y a Europa. La presencia del activismo español representado por Empar Pineda que visitó al grupo y que tuvo con Ilse un feeling especial nos hace reflexionar sobre si está hecho el documental sobre Empar Pineda con todo el derroche de datos, de imágenes, vídeos, hemeroteca y entrevistas que vemos en este documental.

Así que un lujazo poder disfrutar del potencial de una mujer de 92 años que desde los 80 puso las bases ideológicas y sobre todo su presencia en todos los medios audiovisuales pero también en las calles al movimiento feminista y lésbico. El documental se aproxima cronológicamente desde sus orígenes germanos y checos y desde su paso por el matrimonio heterosexual hasta los años de militancia y a la actualidad. Da la sensación de que gracias a estas voces sí que se empieza a poner la Historia en su sitio y deja de estar huérfana de uno de los movimientos que más han cambiado la historia del siglo XX de forma pacífica.

Desde la ficción ha habido intentos de contextualizar esta efervescencia, con Un amor de verano, pero en documental no encontramos tanto. En Les vies de Théresé se documenta a la activista Théresè Clerc y explica su lesbianismo político. En Queer Genius, sobre artistas lesbianas. Pionera en el género sería Delphine et Carole Insoumuses, que será referencial para lo que venga después. En el contexto argentino, Yo aborto, tú abortas, todxs callamos, da fe del activismo argentino con una efervescencia y capacidad política muy interesante y que además es capaz de documentar sus luchas. Ilse Fuskova va a ser referencial y van a tener que hacer esfuerzos otras cinematografías para no dejar pasar la memoria y la voz de mujeres tan valiosas que pusieron el cuerpo en momentos difíciles y que con ello consiguieron espacios de libertad que hoy nos benefician a todos y todas.

LA PECERA. Directora puertorriqueña Glorimar Marrero critica las políticas colonialistas desde un drama personal

La actriz Isel Rodríguez se pone en el papel de Noelia, una artista que recibe el diagnóstico de un cáncer terminal y renuncia a tratamiento. Se va a a su isla, Vieques cuyos fondos marinos fueron contaminados por las prácticas militares de la Marina estadounidense creando una crisis medioambiental de dimensiones insalvables. Aquí se aprecia una comparación con su cuerpo, de una forma simbólica denuncia los casos de cáncer que han aumentado significativamente tras el desastre medioambiental.

A la vez, Noelia, se pone del lado de los isleños olvidados a su suerte por los EEUU y que confían con su activismo en «limpiar» la isla frente a los riesgos para la salud que provoca su lucha. Noelia forma parte de ese esfuerzo colectivo generado a base de compromisos individuales y ahí se ve la fortaleza simbólica de muchas personas por un ideal común.

La pecera es la primera película puertorriqueña, a la directora Glorimar Marrero le costó 10 años levantarla y el resultado es muy hermoso a la vez de cargado de dignidad personal y político-social.

EL FAVOR. Directora Juana Macías

Inma Cuesta, Diego Martín y Sara Sálamo interpretan a tres hermanos de familia rica que van al funeral de la Tata, Luisa Gavasa. Allí se encuentran con el único hijo de la señora, Alfonso Bassave que además ha sido compañero de juego durante la infancia. A partir de aquí comienzan los rocambolescos enredos que hacen reír con humor blanco y la maestría de todo el elenco para la comedia. Destaca por ejemplo un Pere Ponce muy resuelto que lo borda en su papel de novio entradito en canas pero moderno de la pequeña de la familia. También en su línea, Gonzalo de Castro, las escenas de padre despistado hace que se disfruten al igual que Isabel Orgaz de madre ausente.

Una buena oportunidad para reír de principio a fin porque hacer comedia en el cine no es nada fácil y no hay muchas oportunidades. Juana Macías , tiene medida la veta cómica como demostró en Embarazados donde sí que había un trasfondo social. Sin embargo en El favor el humor se funda en estereotipos y en reírse de ellos para desmontarlos. En otra de sus películas, Planes para mañana, va por otros derroteros más cercanos a lo social. Hay que reconocer a Juana Macías, con una carrera asentada, que se atreva a adentrarse en géneros tan difíciles como la comedia.

CREATURA. La directora Elena Martín explora la sexualidad femenina

Mila, con 35 años es consciente del bloqueo emocional y sexual que siente con su pareja. Ella busca y profundiza en su pasado para encontrar las claves, siente que está en un proceso de descubrimiento e intenta llevarlo de la mejor forma posible. Los diálogos con su pareja ofrecen muchas respuestas a la vez que no dejan de abrir preguntas a quien ve la película. Sin embargo, las respuestas no están en la línea de lo que es habitual en las películas, en que se trata del deseo sexual en las mujeres. Elena Martín que ha contado de guionista con Clara Roquet, irá midiendo el relato de una forma muy cinematográfica. Las imágenes dan muchas pistas para ir buscando claves de ese bloqueo. Como si de un análisis se tratara bucea en momentos de la infancia y adolescencia y puede que se vayan ofreciendo luces. No obstante, ofrece muchas lecturas y todas muy interesantes fuera del cine convencional. Una suerte que Elena Martín se haya decidido por una temática tan original tratada con tanto respeto y con tantas oportunidades para ofrecer muchas lecturas.

También se puede leer desde el deseo de sanación que tiene la protagonista, desde un camino de búsqueda donde hay más interrogantes que certezas. El papel que tiene el padre y la madre así como los novios de la adolescencia dan pinceladas interesantes sobre las limitaciones que impone la sociedad a vivir la sexualidad de forma sana. Magistral el personaje de la niña de 5 años, Mila Borrás, que realiza un papel complicado pero muy explicativo de las razones de la protagonista en su edad adulta.

La película puede decirse que además de una calidad cinematográfica, que engancha de principio a fin, tiene también un carácter sanador a la vez que liberador. Pero sobre todo, tiene un fondo político muy interesante al poner el placer de las mujeres en el centro del relato de un modo nunca visto antes en el cine. Por esto, ya es una de las mejores películas del 2023, obra clave que seguro recibe muchos premios y que además va a ser referencial para un cine comprometido en la forma y en el fondo.

ESTO NO ES SUECIA. Serie. Dirección creativa Aina Clotet y Mar Coll

Aina Clotet es una de las 6 personas creadoras de esta serie televisiva en clave de comedia pero con una parte de drama o de comedia dramática muy marcada. Además, Aina Clotet, protagoniza junto a su pareja en la vida real, Marcel Borrás, una historia centrada en la crianza de hijos e hijas. Mariana es una treintañera muy intensa que junto a Samuel, su hija Lía y el bebé Max se han mudado a Vallvidrera, la zona montañosa que limita Barcelona.

Uno de los valores más interesantes de la serie es que toca muchos temas relativos a cómo criar a hijos e hijas en la sociedad actual. En principio, pueden parecer «modernas» o «innovadoras» las propuestas educativas pero conforme van sucediendo los capítulos se va dudando . Uno de los puntos donde se debaten temas profundos sobre los problemas que surgen en las familias con las criaturas, es la escuela de madres y padres. Hacen una terapia con una psicoterapeuta donde sutilmente salen las problemáticas y saben hacerlo en clave de humor. Las situaciones que plantean y las respuestas que da cada uno/a del grupo sirven para entender bien un variado mosaico de voces diferentes donde sobrevuelan aspiraciones, miedos, egos e intereses variopintos. Precisamente, esto es uno de los puntos más destacados de la serie que habla de un problema bien actual. Quién cuida y qué consecuencias tiene para cada miembro de la pareja, de la familia, cuidar, a nivel profesional, económico, sexual, afectivo, de crecimiento personal, etc. Las reflexiones que se pueden hacer al ver la realidad que plantean en tono de comedia son más valiosas que cualquier manual feminista al uso.

La serie acierta en no valorar, solo muestra y también enseña discursos sobre la crianza. Sin embargo, se percibe tímidamente una crítica a modas educativas, homeschooling incluido, que se centran en modelos no sostenibles que ponen el foco en el papel de la familia y menos en el papel de los servicios públicos.

También elige una temática muy contemporánea que pocas veces aparece tratado en las series: las consecuencias de la maternidad en la carrera profesional de las mujeres y se fija en padres «supuestamente igualitarios» que sucumben a la extrema dedicación que supone criar en exclusividad. La serie puede resultar complaciente para un gran público en muchos momentos pero da perfectamente en la diana de un análisis muy actual de una realidad donde las servicios públicos dedicados a los cuidados están precarizados. Las mujeres ven frenado su desarrollo profesional frente al despegue que supone para los varones tener familia. Esto, que pareciera que está superado por el aire «moderno» del grupo, realmente se pone de manifiesto en cada situación.

Pero Esto no es Suecia, es eso y mucho más. Una ficción muy interesante que conecta con muchas realidades e incide de forma muy divertida en todas ellas con momentos dramáticos que se articulan sin estridencias. Un guión muy bien articulado hace que sea imposible aburrirse, sin olvidar que el elenco reúne a actores y actrices de la talla de Nora Navas o de Enric Auquer además de la propia Aina Clotet que borda a Mariana una mujer con muchos deseos y proyectos. La dirección artística de Mar Coll está presente y esa mirada que ya proponía en Tres días con la familia, se percibe aquí con muchas más capas y matices.

No es de extrañar sus nominaciones para los Premios Feroz porque marca la diferencia con otras ficciones y augura un éxito bien merecido. Además puede encajar perfectamente en otros países y contextos sociales y económicos porque aunque parte del humor se entiende desde lo local, el núcleo duro se puede entender a nivel global. Deseando que tengan financiación para otros proyectos con esta marcada mirada crítica contemporánea.

SIMIN ZETWAL. CONTEMPLANDO LAS ESTRELLAS. Conocer Mauricio

Una película muy interesante para conocer de primera mano la realidad de la isla Mauricio. El protagonista inicia un viaje nocturno en búsqueda de su padre pero también acompañado de una joven trabajadora inmigrante india que trabaja como esclava en un taller textil y que escapa del mismo. Aparecen las situaciones difíciles del trabajo en la isla pero también la convivencia entre las comunidades india y otras afincadas en la isla. Uno de los elementos destacados que aparece en la película es el criollismo, una identidad muy fuerte. Se escucha en la película francés con palabras originarias africanas pero también en inglés. Se aprecia también el deseo de emigrar a Canadá por parte de la juventud que no encuentra muchas posibilidades de trabajo digno.

Muy destacable conocer de cerca la problemática de las trabajadoras de las «makilas» en condiciones de esclavitud y chantajeadas continuamente. Un migración procedente de India con una cultura que en esta película se imbrica con el otro protagonista de origen mixto criollo e indio.

El formato de road movie nocturno hace que se vean muchas realidades y todas bien alejadas de la típica postal turística. Eso sí, los cielos nocturnos dejan ver unas estrellas con una luminosidad que no se puede comparar con ninguna otra película. Por todo ello, engancha y regala la mirada de un director del país que tanto se necesita y cada vez hay más oportunidad de conocer porque los cines africanos están conquistando pantallas.

TODOS LOS COLORES DEL MUNDO ESTÁN ENTRE EL BLANCO Y EL NEGRO. Premio Teddy Berlín 2023

El director nigeriano Babatunde Apalowo retrata la vida de un joven repartidor que vive en Lagos. Poco a poco va mostrando rasgos de su vida como la generosidad pero a la vez la cara b: no establece relaciones de confianza con otras personas. Su vecina se aproxima a él pero cierra la puerta emocional. Hay otras puertas protagonistas en la película. Esas puertas que se cierran ante visitas cuyas voces se oyen al otro lado de las mismas. Los diálogos se limitan a él con su vecina y con un amigo que ha descubierto y por el que siente una afinidad que le mueve por dentro. A través de excursiones por Lagos irán estrechando lazos, la afectividad surge y no sabe muy bien cómo actuar ante los límites que ha establecido con las personas. Las heridas del pasado tendrán mucho que ver y conocerlas puede ser parte de la solución. La relación va fraguando a fuego lento con idas y venidas con una mirada muy similar a cinematografías como la de Wong Kar-Wai con películas como Deseando amar.

Por otro lado, el director abre la película a la monótona vida del protagonista, Bambino. Los paseos por una luminosa Lagos, por sus principales monumentos, parques hablan del amor que siente por su ciudad y a la vez el mundo que hay al otro lado de las puertas que con tanta fuerza se resiste a abrir de par en par. También se percibe una sociedad que recela de las relaciones afectivas entre varones y la película expone con claridad cuáles son las consecuencias para quien osa seguir otro camino.

Sin embargo, la historia de la vecina que quiere entablar una relación con él, queda difuminada, no se desarrolla. Tan solo aparece alguna capa de su potencial cuando reafirma su deseo a estudiar frente a su futuro marido. Tal vez pueda salir una maravillosa historia a partir de este personaje para una segunda película.

En definitiva, una película muy contemporánea que puede llegar a públicos bien extensos y que hace crecer el deseo por ver más cines africanos.

SHIMONI. Ópera prima de la directora keniata Angela Wanjiku Wamai

El protagonista acaba de salir de la cárcel es acogido por un cura católico que lo tutela. Ha de empezar una nueva vida con trabajos no cualificados en una comunidad que hace que las heridas del pasado, en modo abusos en la infancia, retornen con gran virulencia. Sin embargo, la cárcel la lleva dentro en su corazón y los traumas son sus barrotes. La angustia del día a día se siente en cada paso y sabemos de él por cómo se contiene agarrándose las manos, tocándose el pelo o cómo su miedo emerge en la noche provocando incontinencia. La película marca un ritmo en que poco a poco conoceremos las razones de tanto dolor y angustia y por otro lado las posibilidades de redención o perdón. Desde el comienzo deja casi claro el drama pero mantiene la tensión y el ritmo hasta el final.

De cualquier manera, aunque trate esas temáticas y los tutores pertenezcan a la iglesia católica, el contenido no es religioso, más bien profundiza en el alma humana como individuo y en la reacciones colectivas de una comunidad. La universalidad del relato toca de lleno y por ejemplo, el modelo de masculinidad herida que no expresa, que calla que guarda el dolor se siente muy cercana. Hay pocas complicidades y si las capta mínimamente es con otra joven que como él puede sufrir el ostracismo de su comunidad. Esta cárcel interna, la directora la consigue subrayar con la casa en la que vive, con el ruido que lleva en su cabeza, con las idas y venidas del personaje que son anuncios de ese abismo que se intuye.

Angela Wanjiku Wamai que ya había realizado varios cortos y escrito guiones antes de realizar esta película, pasó 10 años antes de poder rodarla en 2022 y lo hizo en 15 días. Sin duda, el guión estaba bien armado para poder generar el ritmo y la tensión que describe. El equipo actoral ha participado en otros trabajos como Supa Modo, en este caso asumiendo el bajo presupuesto esperando que la difusión tuviera éxito y revertiera en beneficios posteriores. De hecho, ha conseguido premios en FESPACO y el Premio de oro en Luxor lo cual le ha asegurado una proyección a nivel global.

Este cine es arriesgado en su propio país por dar una visión oscura, pesimista radicalmente distinta a otra corriente más optimista, colorista que apuesta por otra mirada hacia Kenia como puede ser Rafiki, de la directora Wanuri Kahiu. Dos tendencias que apoyan la idea de una diversidad interesante en el cine que se está haciendo y una proyección global por ser historias que conectan en otros espacios y lugares.

Seguramente veamos pronto más películas de Angela Wamai, talento no le falta y con esta película seguro se ha ganado capacidad para producir una segunda. Deseando verla.

COMEDY QUEEN. Directora Sanna Lenken

Sarah es una joven de 13 años cuya madre se ha suicidado. Está en la fase de rabia y no acaba de romper a llorar y a vivir el duelo. La directora nos los muestra sin melodrama con naturalidad con una protagonista muy creíble.

Puedes ser una película muy interesante para acompañar a adolescentes en sus procesos de duelo. El papel del padre que acompaña, no presiona, tiene paciencia con su hija, está tratado con mucho respeto.

Aparece también la escuela como centro de socialización donde ocurre buena parte de la historia sigue siendo una escuela dirigida, con poca autonomía y donde se sigue proyectando una mirada jerárquica a, en este caso, las profesoras. El tratamiento es amable aún que soporta cierto acoso tiene herramientas para buscar ayuda.

En definitiva, una película amable, respetuosa, necesaria, educativa para todos los públicos.

PEDAGIO-PEAJE. Directora Carolina Markowicz

La directora y guionista brasileña, Carolina Markowicz, se centra en una familia de una madre con un hijo adolescente de estrato social bajo. Irá mostrando poco a poco sus círculos de amistades, de trabajo y también las relaciones amorosas. Ella trabaja en un peaje y el joven en un restaurante, lo vemos siguiendo sus aficiones relacionadas con cantar, bailar o performar.

La madre muestra unos miedos muy fuertes y paralizantes ante los caminos vitales que elige su hijo. Sus decisiones dan cuerpo al guión. La directora ha conseguido llevarnos al drama pero también a la comedia al crear situaciones que pudieran parecer imposibles en el mundo actual pero contandas con tantos recursos hace que las creamos posibles y provocan muchas risas a la vez que desazón. Por ello hay que ver esta película porque toca un tema muy interesante como es la relación madre-hijo y a la vez va del drama a la comedia, de la música glamurosa a ambientes de barrio proletario, de la inocencia de un joven a la maldad de bandas mafiosas.

Muy destacable la protagonista Maeve Jinkings pero tanto o más si cabe Kauan Alvarenga, el hijo, que con pocas palabras es capaz de transmitir un corazón gigante así como un joven artista en ciernes. La cercanía y amor a su madre se percibe en todos los momentos a pesar de las decisiones que su madre toma respecto a él y su vida. Llena la pantalla y se desea que vuelva a ocuparla cuando no está.

Muy recomendable y a esperar que la directora Carolina Markowicz realice su tercera película.