CHAVELA. DOCUMENTAL. Homenaje a un icono lésbico.

El documental Chavela, que nos proponen las directoras estadounidenses Catherine Gund y Daresha Kyi es de principio a fin un homenaje a una de las mujeres más emblemáticas del siglo XX y también del XXI porque muere en 2012.

Una mujer rompedora, un alma libre que supo defender sus deseos frente a la sociedad misógina y homófoba de sus años jóvenes. Escuchar sus palabras sin intermediarios, conseguidas y montadas después de un proceso de investigación entre quienes la conocieron y quienes guardaban información no publicada de ella, nos muestra una Chavela Vargas de fuertes convicciones, valiente, solitaria, libre. Una diosa carismática para casi todas las voces que se escuchan, un icono de la cultura lesbiana mejicana pero también por su carisma, una diva global. Una mujer que llevaba pantalones desde su adolescencia, que enfrentaba las leyes del género, que tuvo que buscar la fórmula de ser fiel a sí misma en un mundo conservador y represor.

Una de las partes más interesantes del documental, nos muestra una entrevista que le hicieron unas amigas veinteañeras en los años 80. Unas amigas “lesbianitas”, como dijo la directora Daresha Kyi en la presentación del documental en la 31 Muestra de Cine y Mujer de Pamplona. Unas jovencitas que querían saber de la primera referente lesbiana mejicana y ella se deja preguntar y de forma relajada y feliz contesta desde el alma. Recogen también, testimonios interesantes como los de la famosa cantante Eugenia León. Otro de los logros del documental ha sido conseguir la intervención de una de sus amantes la abogada Alicia Pérez Duarte.

Chavela fue pareja de Frida Khalo, las imágenes de vídeo con ella, nos hablan de un pasado de esplendor de ambas. Oír directamente las palabras de Chavela referidas a otra diva de la cultura lesbiana del XX nos regalan minutos de presencia de una realidad ocultada, tal vez sean de los primeros archivos sonoros de amor lesbiano orgulloso. Una visibilidad desde la que habló con voz quebrada pero segura cuando comenta que amaneció junto a Ava Gardner. El documental pone en valor toda su voz y complace al público mostrándonos 3 ó 4 veces Ponme la mano aquí Macorina, todo un himno lésbico.

De todos modos, también nos muestran los lados oscuros de la diva que vivió parte de su vida alcoholizada, siendo en ocasiones difícil como indican algunas de sus ex-novias sin embargo, sin duda prevalece la luchadora, irreverente, intérprete desgarrada que vivió toda su vida fiel a su libertad aunque tuviera que cargar con la soledad que le acompaña hasta los 93 años.

Daresha Kyi, codirectora, comentó que hubo otras amantes que se prestaron a participar pero sin mostrar el rostro, de forma anónima. Rechazaron esa opción porque querían un docu símbolo de libertad. Sorprende que alguna de las entrevistadas confesó que no había dicho nunca nada antes porque nadie les había preguntado.

Tenemos que estar profundamente agradecidas de que las directoras nos regalen un personaje mujer, artista y lesbiana orgullosa pero además que nos regalen muchos minutos de metraje de una mujer de más de 80 años con toda la hermosura de sus arrugas. Deseamos tener muchas más mujeres mayores en el cine que nos cuenten su vida que nunca o casi nunca tiene acceso a la gran pantalla. Por esto solo ya merece la pena visionar Chavela el documental. Os gustará sin duda.

Muy interesante para conocer vida y convencionalismos sociales de los años 50 desde el punto de vista del género por lo que se puede recomendar alguno de sus minutos en clase de Historia del XX.

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VERANO 1993. Carla Simón

Un acierto total la propuesta de la directora Carla Simón. Verano 1993 es una película con una sensibilidad y estética con sello personal o mejor dicho, se aventura por un camino expresivo que habitualmente no podemos disfrutar en los cines. Una película donde las protagonistas son dos niñas de 6 y 4 años que ocupan la mayor parte de la pantalla. Solo con eso ya estamos ante una directora valiente si además cuenta relaciones familiares en las que la pérdida, el duelo, la enfermedad están presentes y lo hace desde el respeto, sin lágrima fácil, desde la verdad de los personajes ya podemos decir que estamos ante una Directora de las que nos darán muchas alegrías.

En Verano 1993 sentimos las emociones de la pequeña Frida de 6 años que ha perdido a su madre enferma de SIDA. No se nombra porque nuestro punto de vista es el de la niña pero sí que vemos las reacciones familiares y vecinales. Fueron años en los que en algunos barrios la enfermedad se cebó con personas muy  jóvenes y dejó muchos niños y niñas huérfanos. En este caso Carla Simón vuelve a su propia biografía y la expresa desde el ejercicio de indagación, de recuerdo, tanto suyo como los de sus padres adoptivos. Va componiendo un panorama emocional muy rico, poquito a poco, respetando los tiempos de las niñas, desde el realismo y la verdad.

Pocas pelis de niñas tan pequeñitas podemos citar, Verano 1993 ha llegado para quedarse como referente de mirada de niñas. Las actrices bordan sus personajes tanto Frida como su prima de 4 añitos. Nos regalan momentos de humor, frescura, ingenuidad pero también de angustia, tristeza y dolor. Va a ser una peli ineludible para familias en tránsito de adopción, a los/las profesionales de la psicología y pedagogía también interesará así como en general al mundo de la educación por la autenticidad que hay en el tratamiento del duelo.

Deseando que muchas más mujeres se pongan detrás de las cámaras para poder disfrutar de historias tan originales, auténticas y bien hechas como esta. Por cierto, presencia ante la cámara de buen número de personajes femeninos, además de diversos, esos personajes tienen voz y minutos, no se ejerce contra ellas violencia física ni verbal, no hay morbo ni desnudos gratuitos, las relaciones familiares se perciben como igualitarias, aparecen personas mayores que juegan papeles importantes en la vida familiar. Aparecen niños jugando en el parque, el papel de familias cuidadoras (rutinas como atarse los cordones, bañarse, peinarse), entornos como la carnicería donde hay mujeres a los dos lados del mostrador, las fiestas para niños. Vamos, un mundo real!

Si te gustan pelis como: Tomboy, Water Lilies, Mamá está en la peluquería, Rara desearás que Céline Schiamma,  Léa Pool, Pepa San Martín y ahora Carla Simón tengan pronto presupuesto para contar más historias.

 

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TAMBIÉN LA LLUVIA. Icíar Bollaín

Icíar Bollaín pertenece a la tercera generación de directoras de cine en la Historia del cine español. Convencidas de que tenían todos los derechos para hacer cine como sus compañeros trabajan sin complejos, en sus inicios sin marcar las diferencias que el género imponía a las mujeres en el cine. Sin embargo, esta generación ha visto como no las directoras no pasan del 15 por ciento de las películas que se producen, sus presupuestos son muchísimo más reducidos que los de sus compañeros lo cual hace imposible películas complejas y géneros diversos. Por ello, hay que señalar a Icíar Bollaín, como una de las poquitas que ha conseguido producciones más ambiciosas con las que ha podido realizar películas complejas como es el caso de También la lluvia. 

Se ambienta en Bolivia, trabaja con población indígena, temática local de la historia reciente boliviana, despliega extras, helicópteros, persecuciones en coche y con todo ello nos cuenta una historia universal: la explotación de los recursos por unos pocos. Además lo hace desde el compromiso social, contando sin maniqueísmos de trazo grueso. Expone dos momentos históricos, la conquista de 1492 y la situación de la Guerra del Agua en Cochabamba en el 2000. Comparando esos dos momentos vemos situaciones similares con paradojas y contradicciones que nos abren luces sobre la raíz del problema. Nos hace tomar partido, nos crea interrogantes sobre nuestro papel en el nuestro presente y por ello se trata de una película de las que deja poso, permanecerá como referente de cine social comprometido mucho tiempo.

Es una película de hombres realizada por una mujer. El elenco es masculino, Luis Tosar, Gael García Bernal, Juan Carlos Aduviri, Karra Elejalde, Raúl Arévalo, Carlos Santos. Tan solo Cassandra Ciangherotti tiene papel, con muy pocas palabras. Sin embargo se percibe que el tratamiento de las mujeres es muy respetuoso. No hay amantes-florero de los protagonistas, escenas de sexo gratuito, uso violento del cuerpo de las mujeres. En esto la mirada de Bollaín se centra en el tema que quiere contar sin querencias a las que estamos acostumbradas. Se puede hacer un cine con protagonistas varones donde las mujeres no son comparsa de lo que les pasa a ellos de un modo estereotipado. Necesitamos pelis hechas con la mirada femenina en todos los géneros y con presupuestos que alcancen para contarlas.

Va a ser una peli que no se va a pasar de moda y se va a poder visionar durante mucho tiempo. Muy recomendable para explicar Historia de Bachillerato, consecuencias de la colonización, problemática actual de América Latina, globalización económica.

Los actores brillan con luz propia, Luis Tosar y Gael García Bernal dejan su buen hacer y nos quedamos con las ganas de seguir viéndolos.

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LA DOCTORA DE BREST. Enmanuel Bercot

La directora francesa propone la historia real de una neumóloga de Brest, Irène Frachon, que descubre los efectos dañinos del Mediator, un medicamento con efectos secundarios. La lucha contra las farmacéuticas de una doctora coraje. Interesa porque se percibe quién tiene fortaleza interior para seguir adelante, quién se queda atrás, quién y cómo es capaz de conseguir alianzas.

Por otro lado, está bien conseguido el tono de denuncia social contra las todopoderosas farmacéuticas. La duda planea durante toda la película pero también después cuando piensas cuántos otros medicamentos están en el mercado para ganar dinero y no para curar. Lo más reseñable, la protagonista: Sidse Babett Knudsen. Le dota de mucho coraje, valores humanos y a la vez te puedes identificar con ella por su cercanía.

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LA BAILARINA. Loie Fuller. Propuesta desaprovechada.

Stéphanie Di Giusto, directora de La danseuse-La bailarina realiza el biopic de Loie Fuller. Interesa la puesta en escena, cómo capta la sensibilidad de la propuesta innovadora de Fuller para la danza. Abre caminos a la danza contemporánea con el uso de efectos especiales de luces, telas y movimiento  que no se había visto hasta entonces y que servirá de camino para investigar a bailarinas posteriores. Sin embargo, su propuesta no es del todo honesta al introducir, mejor dicho, inventar personas en la vida de Fuller que no existieron. Fue una mujer, fuera del armario, con una relación sentimental de décadas con otra mujer. La directora le inventa un amante varón con el argumento de que quería compensar el número elevado de mujeres en la peli. La vida de la bailarina se caracterizó por estar rodeada de ellas precisamente. Por ello, propuesta desaprovechada. 

Le agradeceremos haber sido la primera peli que se detiene en un personaje tan interesante como este y estaremos esperando un remake más respetuoso. 

La grabación es del cineasta turolense Segundo de Chomón que se inspira en el movimiento, la captación de luces, ambientes oníricos, sensualidad. Influirá en otros cineastas como Mélies, Lumiére, en futuristas como Giacomo Balla, en Mallarmé, Rodin. Incluso Marie Curie hablo con admiración de Loie Fuller. Como vemos en el cartel camina su concepto hacia una abstracción clara adelantándose a pintores que llegarían después. La película no profundiza en estos temas por eso sabemos que será un tema excepcional para otras cineastas.

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LA DONCELLA. The Handmaiden. Ternura, sensualidad, sadismo.

La doncella basada en la novela de la escritora lesbiana Sarah Waters, Fingersmith es tomada por el director coreano Park Chan-Wook para componer una peli de intriga, sensualidad, ternura pero también sadismo, violencia y otras perversiones.

Consigue contar una historia en tres actos y hacer que la veamos uniendo cada uno de ellos para formar un todo pero a la vez parecer 3 películas distintas. En algunos momentos será un disfrute para los sentidos, en otros un horror sádico pero en conjunto gusta cómo trata todos los extremos.

Y por supuesto interesa porque se une a una lista de películas, en este caso gracias a una creadora lesbiana, que acaba bien para ellas. 

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PAGO JUSTO. Huelga de mujeres y Bárbara Castle ministra pro igual salario

Las mujeres de la fábrica Dagenham de Ford en la que trabajaban mujeres, realizaron una huelga reclamando igual salario que los varones. Esto fue en 1968 en tiempos de vacas gordas. Hoy Primero de Mayo, en tiempos de recesión nos sirve de relato esperanzador para confiar en que el cambio es posible. Sin embargo, nos sirve para comprobar que poco ha cambiado cuando la brecha salarial va en alza y las mujeres cobran un 25%menos que los varones además de sufrir múltiples discriminaciones en el mundo laboral.

Interesa saber que se basa en hechos reales y que las mujeres de la fábrica plantaron cara tanto a Ford, al gobierno de Gran Bretaña como a los sindicatos dirigidos por hombres que no asumían la demanda de las mujeres. Consiguieron la ley “Equal Pay Act” en Reino Unido en 1970 que supuso un avance importante en la consecución de derechos laborales para las mujeres. En estos tiempos de deslocalización vemos cómo la empresa amenazaba con el mismo argumento. 

El contenido feminista de Made in Dahenham, se basa en el convencimiento de la protagonista de la justicia de su demanda. No es un privilegio es un derecho lo que reclamaban y eso les da fortaleza además de jugar en clave de sororidad. La ministra de Trabajo, BÁRBARA CASTLE, socialista, del partido laborista, conocida como LA REINA ROJA, asume la justicia de la demanda y consiguió consolidarla mediante ley. La sororidad está presente en el relato. Sin el papel de una mujer ministra seguramente las mujeres lo hubieran tenido más difícil. La mujer del empresario también se entiende en esta clave. La solidaridad de género está por encima de la de clase. Este hecho ha sido clave en la lucha feminista, que ha teorizado sobre la unidad de las mujeres frente a un sistema que conculca los derechos de todas independientemente de su clase. En la foto superior aparece la Ministra, Barbara Castle con las trabajadoras en huelga, escena que la película incorpora. Uno de los valores destacados de Made in Dahenham, es que se oyen las voces de las protagonistas en los créditos y eso le da un punto realista que pone en su sitio el tono de buen rollo que lleva la peli. Seguramente confrontar a los sindicatos machistas de la época, a sus propios compañeros, empresarios y gobierno tuvo costes que no se perciben pero quien quiera investigar podrá encontrarlos.

El elenco femenino dota de intensidad la lucha, especialmente la protagonista Sally Hawkins que destaca en este reparto coral. Consigue dotar al personaje de una fuerza basada en la justicia de sus palabras y la capacidad de defender sus ideas con sus fuertes convicciones. El papel de parejas y compañeros varones se mantiene dentro del tono “happy” de la peli apoyándolas en la lucha.

Pocas pelis tratan de los problemas laborales específicos que sufren las mujeres, referente:Ni dios ni patrón ni marido de Laura Mañá. Pago justo- Made in Dahengam puede estar en un lugar destacado. Ahora bien, el hecho histórico da para muchísimo más así que tendremos que esperar un cambio de tono más reivindicativo.

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