Estupendo documental desde el punto de vista etnográfico y antropológico. El punto de vista no es el de un documental comercial que busca venderlo de acuerdo a unos estándares propios de la industria del documental. Nos cuenta con especial verismo el intento de contacto entre un grupo de indígenas contactados del Amazonas con otro grupo de la misma etnia Korubo de los que se separaron hace una década y que han decidido seguir escondidos en la selva. No desean el contacto porque tienen historias horribles en su relación con los blancos.
Plantea la realidad de estas comunidades para sobrevivir en un mundo donde les están acorralando y cada vez tienen que ir más lejos para cazar monos. Una Amazonia cada vez menos sostenible. Si se cuida la Amazonia se salvarán los indígenas. De momento los están esquilmando.
No se plantea lo exótico se plantea los dilemas y los conflictos de un mundo que no les deja en paz y en el que no sabemos si seguirán teniendo cabida. Con lo fácil que sería. ¡Que les dejen en paz!
Ambientada en el mismo valle que le da nombre, nos encontramos con una película que propone una apuesta arriesgada.
En primer lugar contar una historia que se ha ido borrando de la memoria pero queda aun en las palabras de un miembro de ese grupo, los agotes, marginados por los baztaneses desde el siglo XIII. Uno de los aciertos mayores del director ha sido contar con la voz de un agote actual que aun recuerda la marginación que sufrió por sus vecinos cuando era más joven. En pleno siglo XX no les permitían bailar, ni beber agua de las fuentes, ni pisar las tierras sembradas por el miedo a que no fructificaran. Este personaje extrae de su memoria estos recuerdos dolorosos que han creado una identidad para nada vengativa. Él mismo se ríe de la situación vivida al decir bromeando que como no les permitían bailar resultaron ser todos magníficos músicos (chistularis).
En segundo lugar contar la historia- documental del montaje de la misma película. Cine dentro del cine. Este juego permite que veamos una continuidad entre aquellos marginados-apestados de la Época Moderna y las actuales voces que son representadas por los mismos actores. El agote perseguido, el mensajero, el representante de la Orden de Santiago serán personajes de la película que se está preparando.
Estos dos ingredientes junto a la ambientación que es la misma en que respiraron baztaneses-orgullosos y baztaneses-marginados-agotes contribuye a crear una unidad y una credibilidad muy elevada. La fotografía sabe sacar lo mejor de este territorio. Precisamente el Baztán fue el lugar elegido para filmar Vacas, de Julio Medem. Hay alguna escena protagonizada por Carmelo Gómez que le recuerda al rodaje de Vacas y que enriquece los niveles de complicación o de interés de la película (más cine dentro del cine).
De todos modos hay un elemento en el que no se profundiza aprovechando la ocasión. Te quedas con las ganas de saber más de la Historia de los agotes en su relación con los demás habitantes del Baztán. Es uno de los temas históricos de Navarra más interesantes por su valor etnográfico, histórico pero también por las lecturas que se pueden hacer desde el presente sobre la integración de lo diferente. Tal vez el director, al que hay que felicitar por superar con éxito su apuesta arriesgada, se haya quedado corto en proporcionarnos más luces sobre esta poco conocida “Memoria”.
La película destaca por encima de todo por su actriz protagonista. Consigue que nos sintamos cerca de sus percepciones que aunque se inclinan más por el drama no deja de brindarnos momentos de buena comedia.
Lo mejor está en los momentos de equívoco provocados por el desconocimiento que tiene el chico de quién es su padre.
Esta película nos ofrece cómo es la mentalidad de la América profunda y el hecho de ser cine independiente, le otorga la capacidad de poder elegir una temática como esta.
Recomendable para todos los públicos.
Un niño con problemas de lectoescritura se siente hundido porque sus padres especialmente el padre no hace mas que gritar y castigarle. Las letras le bailan. El concepto de lectura y escritura no los asimila. Las letras sueltas y los números no tienen ningún sentido para él sin embargo de forma oral demuestra una gran inteligencia, del mismo modo que con la pintura. Le internan en un centro donde el maestro de arte, que es encantador, se da cuenta de cual es su problema.
Los puntos fuertes de la peli son la música, el baile, el encanto del maestro, la actuación del niño que está sobresaliente, la ternura que rebosa por todos los lados. Sus puntos débiles, el simplismo del tratamiento del tema, la larga duración, el modelo de enseñanza en el que se centra la película, es decir, la escuela disciplinaria, memorística y poco creativa, el excesivo carácter aleccionador y el sentimentalismo del tratamiento del tema propio del cine de Bolliwood
El problema se resolverá con un maestro moderno que propugna un modelo de enseñanza significativa. Lo que se enseña tiene que ver con la experiencia del /la menor y el conocimiento lo va construyendo cada uno/a a su ritmo. La educación necesita la implicación emocional del maestro y se preocupa por la salud emocional del alumnado.
Muy agradable y tal vez interesante para niños/as de 5 a 10 años. Para cualquier docente puede resultar motivadora y qué duda cabe para los progenitores con problemas similares. Cada niño/a tiene su ritmo de aprendizaje y esto nos puede interesar a todos. Pinchando aquí se puede ver el metraje completo.
El director de este thriller David Fincher realiza un remake de la conocida saga Millenium. Para los fans de las películas suecas pudiera suponer todo un regalo puesto que aporta otra visión del libro. Sin embargo parece casi idéntica a las anteriores. Los personajes se parecen totalmente. Incluso Noomi Rapace es versionada casi calcada por Rooney Mara. Y Blomkvist es el mismo en las dos versiones. Entonces, ¿para qué hacer un remake si calcas lo anterior?.
Hay algo que cambia y que el director lo plasma sutilmente pero se hace evidente al final. Parece como si tuviera que disfrazar a la heroína Lisbeth Salander para que la pueda digerir el público de masas americano. Salander es una mujer asocial, “autista”, antisistema, bisexual, con una carga violenta-vengadora muy fuerte, sin embargo una heroína que pone sus virtudes al servicio de una buena causa, la lucha contra la violencia generalizada contra las mujeres. Esta personalidad parece necesitar redención para ser aceptada en este remake. Y esto es lo que hace el director, redime por el amor a nuestra heroína. Al final, Lisbeth, le confiesa a su tutor que tiene un amigo e incluso alberga ilusiones amorosas en esa relación. Esto es algo imposible en la identidad que Lisbeth Salander muestra en el libro. Por lo tanto esta versión manipula a la protagonista y le quita su principal seña de identidad además de hacerla “tiernamente” vulnerable.
De todos modos, para los fans de la pareja de investigadores, sigue siendo un regalo verlos actuar de nuevo contra el mal. Tal vez se aprecie menos el perfil de denuncia política que tiene la saga contra el fascismo que anida en Suecia. La versión sueca políticamente es más correcta.
No nos queda mas que esperar a otro remake o a que la “viuda” de Larsson haga público lo que su ordenador alberga: el cuarto volumen inacabado de una saga que contaba con una previsión de diez volúmenes.
Por cierto es curioso ver a un super agente secreto, Daniel Craig, haciendo de casi “objeto sexual” para Lisbeth que protagoniza unos encuentros sexuales muy dominantes. Por otro lado las escenas de sexo explícito con mujeres se anulan casi por completo. ¿A qué se deberá?.
La protagonista es una joven adolescente, de unos catorce años, estudiante y negra. Algo totalmente inhabitual en la industria del cine que no elige como protagonistas de sus creaciones a mujeres negras.
Tal vez la procedencia social, de un barrio marginal neoyorquino sea lo que le de otro punto de originalidad. Sin embargo,el estrato social del que procede no es marginal. Su padre es policía y su madre trabaja en un hospital. De todos modos, el ambiente sí que lo percibimos distinto al que pudiera tener el mismo estatus social pero con distinto grupo racial.
El caso es que la iniciación a la vida, la toma de decisiones, la asunción de su identidad, están presentes en una película donde la parte artística también es destacable.
Puede percibirse un contenido autobiográfico.
La incorporación de la voz poética nos da pistas sobre el recorrido vital de la directora. Su extracción social así lo corrobora. No es muy habitual incorporar la creación literaria a una historia de inicio a la adolescencia. Esto le da un toque auténtico, tal vez sea esta etapa de la vida, uno de los momentos donde emergen las inquietudes de autenticidad y la forma de manisfestarla sea la poesía.
Pariah se presentó al festival de Sundance y la podemos considerar como una prometedora ópera prima para su directora Dee Rees.
El título no debe asustar. El drama no se decanta por los derroteros que el título pudiera sugerir por eso sorprende positivamente.
Un grupo de parejas de amigos se junta para pasar unos días en el mar Caspio. Alegres, desenfadados, los hombres no son barbudos ni visten como clérigos, las mujeres tocadas con un velo pero la cara al descubierto, se desenvuelven sin cortapisas en el grupo de amigos.
Casi no se aprecian rasgos que cercenen la libertad de las mujeres. Ellas hablan de igual a igual con sus maridos y con los otros amigos, su voto cuenta para decidir. El elemento que crea el conflicto es una chica soltera, Elly, que va en el grupo y un chico divorciado que vive en Alemania.
A partir de ahí cuando desaparece Elly es cuando empiezan a salir todos los tabúes de esta sociedad iraní. Una mujer soltera y comprometida no puede irse con un grupo donde hay otro soltero. La represión se aprecia en cada detalle. Por ejemplo una de las mujeres se lanza al mar para salvar a un niño con toda la ropa, no se le cae ni el pañuelo del pelo y luego tampoco se quita nada de su ropa para que se seque, ni siquiera el pelo.
Por lo que respecta al tratamiento de la historia, el director consigue tenerte en tensión toda la película. Está muy bien hecha, tal vez el final queda un poco flojo, con un desenlace que podría haber dado más pistas. De todos modos trata un tema que en el Irán de los clérigos no sé cómo ha podido pasar la censura. Tal vez a los ojos de los censores termina bien y por lo tanto sirve de ejemplo para quien la vea. A los ojos de los demás nos dibuja una sociedad con una alta carga de control y que tiene que acostumbrarse a mentir aunque traicione a un amigo/a que asumir la verdad y atenerse a las consecuencias.
Una película muy atractiva porque las mujeres ocupan un lugar central y se puede apreciar su vida en un sistema como el iraní.
Muy recomendable aunque como es larga hay que ir mentalizados.
